WARP Magazine no. 77: Top 20 discos del 2015 #WARPyearbook15

// Por: Staff

jue 31 diciembre, 2015

Previamente realizamos una votación en la que nuestros lectores eligieron sus discos favoritos del 2015; después publicamos las listas personalizadas del Staff de WARP Magazine. Ahora les presentamos la selección de los 20 mejores discos del año que incluimos en nuestro impreso número 77, en la que hay varias coincidencias, pero estos fueron los definitivos.

20.- “Multi-Love” – Unknown Mortal Orchestra

Ruban Nielson y compañía regresan para presentarnos su tercer trabajo de larga duración y lo que podría ser el mejor de su carrera. Desde su comienzo, los neozelandeses daban chispazos de talento, pero no lograban llegar a su máximo nivel. Su consagración es la creación de Multi-Love, un disco que impacta desde el primer tema hasta el último, en cada nota, en cada riff que exponen, donde se puede notar la madurez musical que encontraron a lo largo de los años. (Review completo aquí)

19.- “Caracal” – Disclosure

Con el lanzamiento de su álbum debut, los hermanos Guy y Howard Lawrence se impusieron un punto elevado a superar. En Settle (2013) utilizaron una fórmula sencilla pero efectiva, al conjuntar vocalistas que atravesaban un buen momento con su sonido fresco, logrando revolucionar la escena de la música electrónica en Reino Unido para, posteriormente, catapultarse al éxito mundial y ser nominados al Mercury Prize. (Review completo aquí)

18.- “Hairless Toys” – Róisín Murphy

Probablemente muchos nos enteramos que Róisín Murphy tenía un nuevo álbum gracias a su nominación al Mercury Music Prize. Eso no es extraño, ya que siempre es interesante revisar a todos los incluidos en el shortlist para examinar un poco la escena británica del momento. En esas revisiones pueden pasar dos cosas: no entender los criterios con los que se eligen los discos nominados o llevarte agradables sorpresas, como nos pasó a muchos con “Hairless Toys” de la exvocalista de Moloko. (Review completo aquí)

17.- “Depression Cherry” – Beach House

Beach House (el segundo grupo más fino de Baltimore) continúa haciendo entrega de un pop denso y meloso en Depression Cherry (2015). Desde la primera canción, ‘Levitation’, Legrand invita a “un lugar a donde te quiero llevar”, con un sonido hipnotizante que envuelve y acordes de sintetizadores que cuelgan del techo como espesas gotas de miel, ante lo cual el escucha no tiene más que hacer que aceptar la invitación. (Review completo aquí)

16.- “The Day Is My Enemy” – The Prodigy

Esta producción marca una nueva etapa en la historia de The Prodigy, contrastando totalmente con Invaders Must Die (2009) que tenía un sonido mucho más bailable. Se trata del sexto álbum en su historia y el segundo bajo su propio sello, Take Me To The Hospital, en donde Liam Howlett y compañía se valen de un sinfín de recursos para darle nuevos bríos a su sonido. (Review completo aquí)

15.- “The Magic Whip” – Blur

Este año sucedió uno de los hechos que para muchos –incluido quien escribe– eran impensables. Blur, la banda que alcanzó el estatus de legendaria tras la disolución, las peleas y los muchos proyectos que nacieron de estos cuatro talentosos hombres de Reino Unido, entregó un nuevo e inesperado material discográfico. Cuando los chicos malos del britpop se reunieron en 2008 la artimaña parecía más una táctica por revivir éxitos del pasado y engordar sus bolsillos considerablemente. Después de una gira mundial, un nuevo álbum en vivo, realmente parecía que tendríamos Blur para rato, y este fue el punto clave para demostrarlo. (Review completo aquí)

14.- “Born In The Echoes” – The Chemical Brothers

En un mundo dominado por la electrónica de fórmula, destinada a quinceañeros que usan gorras de camionero, con leyendas ridículas en colores neón, es más que plausible que Tom Rowlands y Ed Simmons se aferren a su estilo y probada calidad. No por ello Born In The Echoes suena a una repetición de Further (2010), suena a ellos mismos, a la inigualable personalidad musical que han forjado a lo largo de más de 20 años detrás de los decks. (Review completo aquí)

13.- “Magnifique” – Ratatat

Ratatat siempre se ha caracterizado por tener un sonido bastante singular; una base electrónica aderezada con guitarras distorsionadas que crean una atmosfera única. Hoy, cinco años después de su último esfuerzo discográfico, la banda aparece de nueva cuenta en el radar para entregarnos un trabajo bastante diferente de lo que venían haciendo. (Review completo aquí)

12.- “25” – Adele

El éxito de los dos primeros trabajos de estudio de quien se ha ganado el título de la mujer con más ventas en menor tiempo de la historia, radica totalmente en una desgarradora ruptura amorosa. Ahora, al ver la vida con una mirada totalmente diferente, Adkins entrega un trabajo en el que no sólo crece personalmente, sino trata de explicar lo que muchos hemos pensado alguna vez después de superar esos momentos difíciles: Tal vez yo también tuve la culpa. (Review completo aquí)

11.- “Compton” – Dr. Dre

Straight Outta Compton, que narra los orígenes del grupo NWA (Niggas With Attitude), referente del hip hop callejero, en sí es entretenida, sólo eso, sin pretender ser una especie de guía para quienes somos seguidores y productores de música rap. Lo interesante está en lo que produjo en Dr. Dre, quien inspirado al recordar a la vieja guardia del gangsta rap nos entregó uno de los mejores trabajos sonoros del año, dejando claro por qué es un referente no solo del género, sino de la producción musical en general. (Review completo aquí)

10.- “Hasta La Raíz” – Natalia Lafourcade

El último álbum de Natalia Lafourcade abandona el pop excéntrico y bonachón de Hu Hu Hu (producido por Meme, de Café Tacvba) para consolidarse en un trabajo musical maduro y elegante. Lafourcade ha recorrido un camino musical sinuoso, interesante en algunos momentos y cuestionable en otros (que pueden haber involucrado disfraces de pato), pero, al final, desemboca en un álbum que a través de hermosas melodías y una producción orgánica detalla los sinsabores de una relación amorosa perdida y los primeros instantes de una resignación alegre, con la frente en alto. (Review completo aquí)

9.- “In Colour” – Jamie xx

Construido en gran parte a partir de samples, este, su álbum debut como solista, consagra a Jamie Smith –mejor conocido como Jamie xx– como un verdadero arquitecto sonoro, adaptando instrumentación mínima con atmósferas titánicas para crear un disco que se puede escuchar en un momento de éxtasis y fiesta, o en la comodidad de la soledad. (Review completo aquí)

8.- “Uptown Special” – Mark Ronson

Dejando de lado ‘Uptown Funk’, que sin duda fue de lo más escuchado en la radio mundial y recopiló millones de vistas para Ronson y Bruno Mars, la calidad musical del productor está bien concentrada en las 11 canciones que componen el álbum, de las cuales James Brown o Sam and Dave estarían totalmente orgullosos, sin contar que Motown parece volver a la vida con implantes electrónicos. (Review completo aquí)

7.- “No Cities To Love” – Sleater-Kinney

El regreso de Sleater-Kinney era necesario después de una separación anunciada en 2006 y diez años de ausencia en el estudio de grabación, ya que hoy en día siguen siendo pocas las bandas que saben alzar la voz sin miedo, ante la desigualdad y los problemas sociales. Al inicio de 2015 (el 20 de enero, para ser exactos) la banda volvió con un estruendoso nuevo material que fue capaz de captar la atención de una incontable cantidad de escuchas, y aunque en esta ocasión la temática es de alguna manera más personal, no dejaron de lado su inconformidad ante el sistema en cada una de sus letras. (Review completo aquí)

6.- “Vulnicura” – Björk

“Vulnicura”, de Björk, ya puede estar en esta lista de discos perfectos sobre rompimientos amorosos. Escrito después de separarse del artista Matthew Barney, con quien procreó a su hija Isadora, el alma de la artista vuelve a quedar al descubierto en la peor faceta que uno puede tener, pero al mismo tiempo con uno de sus mejores trabajos desde su debut como solista. (Review completo aquí)

5.- “To Pimp A Butterfly” – Kendrick Lamar

. En esta ocasión, Kendrick se empeñó en evidenciar que el hip hop está lejos de cumplir sólo clichés (fiestas, modas pasajeras –entiéndase como trap, ‘Whip/Nae Nae’ o casos similares–, mujeres y autos), por lo que creó complejidad y propuesta tanto en sus rimas como en lo musical, con referencias jazz, funk y de spoken word e invitados legendarios como Dr. Dre, Snoop Dogg, George Clinton, Ronald Isley y Tupac Shakur –con quien sostiene una profunda conversación–, además de jóvenes virtuosos como Thundercat, Pharrell Williams y Bilal. (Review completo aquí)

4.- “I Love You, Honeybear” – Father John Misty

Josh Tillman, el hombre detrás de Father John Misty, nunca ha tenido miedo de mostrarse tal como es. Eso le ha traído unos cuantos detractores, quienes no llegan a entender el tono irónico con el que Tillman se desenvuelve en la vida. Es notable que en los últimos años ha madurado como músico y como persona, pero eso no ha mermado su sentido del humor, al contrario, lo ha hecho aún más incisivo, la diferencia consiste en que su humor se ha vuelto autorreferente. (Review completo aquí)

3.- “What Went Down” – Foals

Lo que escuchamos ahora es a una banda más seria y madura, donde la ansiosa y caótica energía que emanaba de sus primeros esfuerzos ha cedido paso a un sonido mucho más calmado y relajado (como en ‘Give It All’ y ‘London Thunder’). A diferencia de lo que se pudiera esperar, el resultado de esta mutación no ha hecho más melosa su música, al contrario, este disco presenta un Foals bastante pesado, especialmente en los cortes que muestran una actitud esencialmente rock, como es el caso del sencillo homónimo que abre el disco. (Review completo aquí)

2.- “Dodge And Burn” – The Dead Weather

Cambios de tempo que te desubican por algunos segundos, un teclado disonante, la guitarra extra sucia, una tarola específicamente más aguda que marca solamente ciertos tiempos, esas líneas de bajo que en ocasiones te hacen dudar si realmente es un bajo lo que estás escuchando y la voz estilo femme fatale de una de las frontwoman más relevantes de la contemporaneidad; definitivamente, The Dead Weather es de esas pocas bandas de rock que hoy en día mantienen alto el estandarte del género, sin tratar de imitar algo fuera de su contexto. La banda posee un sonido particularmente suyo y son la síntesis ideal de lo que se puede definir como supergrupo. (Review completo aquí) 

1.- “Currents” – Tame Impala

Desde los inicios de Tame Impala, Kevin Parker ha demostrado tener una sensibilidad musical adelantada a su época, sin olvidar sus propias raíces. Si Innerspeaker (2010) y Lonerism (2012) fueron dos discos que definieron el psych-pop desde una base bastante influenciada por The Beatles, Currents nos muestra una faceta nueva y refrescante de la banda, al dejar a una lado la preponderancia de las guitarras y el fuzz e incorporar un sonido centrado en los sintetizadores. (Review completo aquí)

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Esta lista la puedes encontrar impresa en WARP Magazine no. 77: #WARPyearbook15 con tres portadas diferentes, además de los regresos más relevantes a la industria musical, cine, tecnología, lifestyle y más. Disponible en locales cerrados, puestos de revista y gratis en nuestra aplicación iOS.