// Por: Oscar Adame

vie 13 septiembre, 2019

Como previa a la celebración de la cuarta edición de Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival, Modelo presenta una serie de entrevistas en exclusiva con lo mejor del line-up musical del festival. 

Matthew Dear es un productor norteamericano que se distingue por su trabajo componiendo excelentes canciones de avant-pop electrónico. Como productor, se distingue por sus mezclas limpias y eclécticas, lo cual lo ha llevado a lanzar seis álbumes de estudio que han sido igual de aclamadas por la crítica y el público. 

Los medios lo han escrito como un auteur, un artista con una visión única y hablando con él se da a notar la razón por la cual puede tener un acercamiento a la música que lo diferencia del resto. Su interés continua en la colaboración lo ha ayudado a expandir sus horizontes y su mente abierta a todo tipo de géneros y artistas lo continúan alimentando en un mundo de constante cambio.

Por otro lado, su composición basada en el flujo de consciencia le permite ser lo más sincero posible, sin desperdiciar su gran rango de influencias. 

Matthew Dear se presentará en un DJ Set como uno de los headliners del Guadalupe Valley Wine, Food & Music Festival, en su regreso a México. Los boletos se encuentran a la venta a través del siguiente link.

Saludando a su yo más joven

Quiero hablar un poco sobre tu último álbum Bunny (2018), muchos medios han estado hablando de él como si fuera un material conceptual sobre los mitos fantásticos, pero quiero saber la historia desde tu perspectiva. ¿De qué crees que trata y cuál era tu objetivo al combinar tantos géneros musicales en él?

Claro, es difícil decir que cada álbum que hago es un álbum conceptual, pero así es. Siempre tratan sobre el concepto de la etapa que estoy viviendo en mi vida jajaja. Ese es el tema. Black City trató sobre el momento en el que vivía en Nueva York, cuando me sentía rodeado por gente todo el tiempo, así que eso se deja ver en el arte. Mi álbum Beanz trata sobre el regreso al colorido y la luz, con canciones más optimistas. 

Bunny creo que representa a un momento extraño de mi vida, poco después de esos dos periodos que se distinguió en mi navegación en más géneros musicales, influencias para mí. No hay concepto en la forma en la cual me siento en una mesa para escribir una historia y decir -esto es de lo que tratará mi nuevo álbum-, pero sí sigue el concepto de cualquier cosa en la cual esté ocupado mi cerebro, las cosas en las cuales pienso y hago en el estudio. 

Tienes una lista interesante de colaboradores en este álbum, muy ecléctica, que incluye a Protomartyr, Ricardo Villalobos y Tegan and Sara. ¿Crees que esas elecciones devienen de la misma idea de hablar sobre lo que tienes en mente sin importar el género, es una mezcla personal?

Totalmente, ese es un buen punto. SÍ. Todos ellos son mis amigos jaja. Es una muestra de que mi vida en este momento es una mezcla salvaje y larga de cualquier cosa. Siempre he disfrutado el hecho de que puedo ser feliz teniendo a Greg de Protomartyr tocando música, mientras al mismo tiempo puedo hablar con Tegan and Sara. El track con Ricardo devino de cuando estaba con él en Berlín, Alemania, estabamos trabajando y me dio una mezcla larga de lo que habíamos hecho, con tambores y todo. Lo pude tomar y agregarlo a la canción que forma parte del álbum.

Estos son momentos de mi vida que puedo experimentar en la industria de la música. Me siento afortunado de ser el artista que puede poner todo esto en un álbum para que otras personas puedan abrirse a la idea de no solo escuchar un sabor o un género. Siempre he pensado que debemos de ser más abiertos.

Sí, también ser más abiertos respecto a distintos tipos de personas ¿no? Siendo que fuiste el canal expresivo de tantos artistas tan distintos, ¿has pensado en las diferencias que ellos tienen respecto al pensar la música?

Absolutamente. Absolutamente, sí. Creo que los artistas visuales, los pintores, escritores, escultores, los músicos, encuentran en donde está su mejor versión de arte. Encuentras en donde puedes acomodarte, encuentras tu propia narrativa e historia, así te enfocas en ella por un largo tiempo y llegas a tu sonido particular. Ese es quien tú eres y todos los artistas que te mencione tienen su propio camino. 

Tegan and Sara están muy orientados al pop, tienen composiciones muy bellas, pero algunas de sus canciones combinan cosas loquísimas que logran funcionar muy bien. Yo nunca podría hacer una canción como ellos, nunca podría haber compuesto la canción ‘Bad Ones’ si no fuera por que ellos están en ella. No podría haberla cantado solo, no hubiera funcionado, necesitaba a ambas energías para que funcionara.

Lo mismo puedo decir de Protomartyr por ‘Bunny Dreams’, en donde tocó de inició a fin la parte de guitarra en una toma. Básicamente él escribió la canción en su cabeza para la guitarra y después yo canté sobre ella cuando la tocó. Sin él nunca hubiera hecho la música, necesitaba su energía.

Por otro lado, puedo decir lo mismo de Ricardo, quien es un científico loco, un genio en el estudio para quien todo está conectado. Toca los sintetizadores y tambores al mismo tiempo, escucha todo tipo de música cuando está afuera del trabajo. La gente entra y sale de su estudio, es una experiencia muy comunal. Por un momento le pregunté -oye, ¿estamos trabajando en mi canción en este momento?-, es difícil saber qué es lo que está pasando, pero ese es su mundo, es la forma en como hace música. Se mantiene espontáneo y abierto, comunal. 

Esto es algo muy bueno para mí, para alguien que está creciendo. El tratar de crear más conexiones con otros artistas. Como dije, no estaría haciendo la misma música sin ellos. Hay una cita que me gusta mucho del vocalista de Fletwood Mac a quien le preguntaron -hey, ¿aguna vez haz pensado en ir de solista?-, y él le contestó -¿estás siendo serio?, tengo a cuatro personas que son tan buenos haciendo lo que hacen y logramos conectarnos para hacer incluso mejor música como un grupo, porque mi idea nunca será igual de buena que la de todos juntos-. Eso me gusta, es pensar en grupo. A veces más es mejor cuando se trata de crear arte. Pasa cuando todos conectan sus mentes y crean algo que una persona sola no podría hacer. 

Pueden agregar algo particular a tu mundo ¿cierto?

Claro, es como dije. Cada quien tiene su propio estilo, pero cuando los reúnes a todos puede trabajar muy bien y a veces también puede resultar muy mal. No estoy diciendo que todos los artistas pueden hacer algo bueno juntos, hace un tiempo escuché un remix de Skrillex a The Doors y para mí fue una advertencia jajaja. Fue una idea cool, pero el resultado no fue bueno, para mí debe haber una amistad, una conexión. Yo no puedo ir con un extraño y construir algo, primero tengo que tener la conexión. 

Hablando sobre estas conexiones y la forma en la cual podemos agregar nuestro estilo al trabajo de alguien más. ¿Cuál es tu proceso al crear un remix y cuál ha sido el que más te ha gustado de los que has hecho hasta ahora?

Esa es una pregunta complicada. Ahmm, creo que he hecho tantos que es complicado elegir uno en particular, creo que el más exitoso y aquel que más ha conectado con la gente es este remix que hice para la canción ‘VCR’ de The XX. Fue uno de esos trabajos que sucedieron de forma muy rápida.

Con los remixes, el proceso es que no puedes pensar demasiado en ello, si lo haces empiezas a hacerlo demasiado y terminas volviéndote loco porque no tiene mucho sentido. Tomas la música de otras personas y básicamente crear una versión un poco distinta de la misma canción jaja. Es una idea estúpida si realmente piensas en ello, como artista. Si vas con un pintor y le dices -oye, ve este Picasso, quiero que pintes una casi igual, pero un poco distinta para que podamos vender tu pintura como una edición especial del Picasso-. Es una forma extraña de justificar el concepto. Claro que en la música es distinto, tratas de darle una luz más potente a una canción que tratas de vender, es darle una atención que a veces puede ser bastante interesante porque puedes tomar géneros completamente distintos y unirlos, es un buen experimento. 

Mi estrategia es recibir todos los archivos, los tracks instrumentales. Los cargo, los escucho y empiezo a quitar cosas, solo escucho las vocales, los tambores o sintetizadores. Tienes que sentir en qué dirección te dice la canción que vayas. A veces es un gancho muy fuerte, a veces es una parte de la vocal que ni siquiera es el coro. Tomo unas frases que me hablan y los sampleo, los hago un loop para crear un ritmo. A veces la canción puede ser completamente distinta. Ha pasado que grabo mis propias vocales para ella, en lugar de aquellas que me dan y casi hacemos un dueto jaja. No tienes que estar asustado de tratar lo que sea. Tienes que empezar con confianza, fuerte. 

Así fue como lo hice con el álbum de remix de MGMT, el que creo que puede ser mi favorito porque pude hacer el álbum completo a mi manera. Pude formar la relación necesaria, salí de tour con ellos, pude hablar con ellos, verlos en vivo, fue casi como si hiciera un reportaje en MGMT, con la investigación de la banda y el grupo. Termino siendo un gran experimento, el entender quiénes son ellos y qué significaban sus canciones. Después regresé a casa y me encerré por toda una semana en el álbum, escuchando a su música, creando los sampleos y demás. Hice el álbum completo en menos tiempo del que normalmente utilizo para una canción. 

¿Qué aprendiste sobre MGMT?

Que son un par de personas muy buenas y lindas jaja. Son muy normales en una forma positiva, no en la forma aburrida, solo en el sentido en que no son muy habladores, no confían demasiado en ellos mismos, son muy talentosos, son excelentes en lo que hacen y en quienes son. Siempre los he amado, siempre he sido fan de su música y me sorprendió ver que hay un par de personas buenas, sonrientes y lindas detrás de este mundo loco. Son pensadores muy abstractos, pero no te hacen pensar que ellos son demasiado inteligentes jaja. 

He leído un poco de tu álbum debut Leave Luck to Heaven y dicen que lo nombraste así porque es una traducción extraña de la palabra Nintendo. Es bastante extraño, pero me gustaría saber si has pensado en crear chiptune…

Ohh, nunca he sido bueno en emular géneros específicos. Puedo tratar y podría ser completamente malo, no funcionaría. Mi cabeza cuando empiezo a hacer música es que puedo tratar de hacer algo, pero con el tiempo termina a ser algo completamente distinto. No soy un compositor, no puedo escribir en papel.

Hace poco vi un video de Deamau5, y él es tan bueno en elegir el género, programando un sonido de videojuego, todo termina en donde debería como si fuera una máquina que hace todas las conexiones, pero yo funciono con momentos instantáneos. Soy afortunado cuando obtengo un sonido genial que termina como un ladrillo para terminar de construir la canción. 

Es un flujo de consciencia ¿no?

Absolutamente, eso es exactamente lo que es. Para mí, tengo que estar abierto al flujo de conciencia, si estoy buscando los sonidos, la estructura, no funciona. No puedo hacerlo por mucho que intente. 

¡Todas mis letras han venido de lugares subconscientes, es loco. Años después las escucho y terminó dándome cuenta de a qué se referían, digo – ohh, de eso trataban-. Pero siempre tiene que pasar un tiempo, hace sentido mucho después, tienes que desaparecer del presente para verlo.

Nunca he estado aterrado de hacerlo, más bien me da felicidad ver al final que mis inseguridades respecto a las canciones han resultado. Me veo como -ahh, ese es mi yo joven cantando sobre esta situación, bien por ti pequeñín- jajaja. -Me da gusto que pienses en estos temas, todo está bien-.