El pasado 28 de octubre, Brian Batz estrenó el sexto álbum en la carrera de Sleep Party People, Heap Of Ashes (2022), el proyecto musical de culto que empezó como un bedroom project que obtuvo fama y reconocimiento internacional gracias a sus instrumentales llenos de un sentir de melancolía, acompañados por una extrañas voces sintetizadas «de conejito», como las máscaras que ocupan sobre el escenario.
Un material que dejó a un lado los efectos vocales “de conejo” que le otorgaron la fama internacional para ahora jugar con distintos tipos de elementos vocales, desde guturales, hasta melodías bastante más frías, frágiles, en las cuales el autor de ‘I’m Not Human At All’ se siente más humano que nunca.
Se trata de un álbum intenso, increíblemente cinemático, que narra una historia de principio a fin que creemos que es mejor que sea explicada por su autor de primera mano. Es por ello que Brian Batz nos ha mandado un escrito en el cual profundiza detrás del proceso creativo de cada una de las piezas que conforman a este material, al igual que en sus significados.
Esta canción comenzó como un riff de guitarra sobre un bucle de guitarra. Básicamente, simplemente toqué durante 20 minutos seguidos con un sonido de pedal fuzz de reverberación inversa, que terminó sonando más parecido a trompetas y trompetas que a una guitarra fuzz normal. Después volví y lo escuché y me sentí bastante bien con los primeros cuatro minutos de la toma. Esa parte tenía una sensación más tranquila y básica y se sentía bastante directa, pop y brillante en su melodía. Más tarde eso se convirtió en toda la base de la canción.
Lo recuerdo como un día realmente productivo y divertido en el estudio, ya que recuerdo grabar todo con un ambiente relajado y improvisado. Incluso la voz de referencia terminó siendo utilizada en la versión del álbum, porque tenía una sensación y un nervio muy intensos y especiales. De hecho, traté de volver a grabar la voz de referencia con letras “reales” y un micrófono mejor, etc., pero terminé tan contento y feliz con la aspereza y la intuición de la voz de referencia y, por lo tanto, decidí usarla, a pesar de la falta. de letras Así que la versión del álbum es básicamente yo murmurando y cantando lo que me vino a la mente, lo cual es algo inusual para mí. Pero creo que la lección aquí es que el sentimiento es más importante que la perfección.
Mi enfoque en este álbum fue más allá de cualquier cosa que haya hecho antes, ya que no quería replicar ninguno de mis álbumes anteriores o el proceso de escritura durante la creación de estos álbumes. Esta vez realmente necesitaba ensuciarme los dedos y decidirme a repensar todo el proceso creativo. ‘Tide’ fue una de las primeras canciones que terminé para este álbum y creo que tuvo un gran impacto en cómo quería escribir el resto del álbum.
Esta canción comenzó con un bucle de cinta largo de mi voz, que pasé por una vieja máquina llamada Lexicon Prime Time 93 y luego logré que todo ese sonido rítmico fallara, que puedes escuchar durante la primera mitad de la canción. Recuerdo que pensé que esto podría ser demasiado electrónico y, por lo tanto, decidí agregar una sección de cuerdas de mellotron encima y luego se convirtió en una bestia diferente, que sonaba más orgánica y más cercana a algo que tenía en mente. En el nacimiento de esta canción usé, como mencioné, cuerdas de mi melotrón, pero luego las reemplacé con cuerdas reales, tocadas por Halvcirkel. Y eso agregó mucha más profundidad y emoción a la canción.
Otra cosa notable sobre el arreglo de la canción es que nunca regresa a una parte anterior de la canción: cambia y avanza constantemente y eso también inspiró cómo quería abordar la composición de este álbum.
A medida que el proceso siguió evolucionando, descubrí que no quería que nada estuviera en modo cuadrícula. Quería que todo fuera totalmente gratuito y fuera de la red, pero eso también significaba muchas complicaciones y dolores de cabeza creativos, ya que es mucho más fácil trabajar en modo de red y tener un ritmo constante de bpm.
Una de las mayores preocupaciones fue, por ejemplo, cuando fui a volver a grabar la batería, la percusión, el bajo, el piano de cola, el clavicémbalo y las cuerdas para todo el álbum. Anders Bach, también conocido como GNOM, que toca la batería en este álbum, tuvo que grabar un bpm tocado a mano para cada canción, de modo que los músicos tuvieran algún tipo de tempo en el que apoyarse y guiarlos a través de las canciones.
Pero lo más loco es que cuando los músicos comenzaron a grabar encima de mis bocetos, se sincronizaron por completo con la música y lo que pensé que se convertiría en una pesadilla, resultó ser todo lo contrario, ya que todos clavaron su partes bastante malditamente rápido. ¡Fue, para ser honesto, muy impresionante y emotivo! Me sentí absolutamente aliviado y después de la grabación de esta canción, la sesión se volvió mucho más relajada y fácil.
Después de pasar una semana grabando los últimos fragmentos en The Village Recording,
Tuve la idea de pedirle a mi amigo k Hover de Sound of Ceres / Candy Claws que cantara a dúo conmigo y estoy completamente emocionado de que hayan dicho que sí. Soy un gran admirador de ellos y su voz. Desde que me presentaron a Candy Claws, quería colaborar con k Hover, así que este es un sueño hecho realidad, para ser honesto.
Recuerdo haber recibido la voz de k y haberla agregado a mi sesión de herramientas profesionales y haber pensado: “Mierda, la canción está lista”. Apenas toqué su interpretación vocal, ya que simplemente se pegó allí e hizo que la mezcla sonara terminada. Escuchar la voz de K y la mía juntas estaba fuera de este mundo. Es un honor trabajar con ellos y elevarlos elevando la canción a un nivel superior.
Esta canción surgió de mí jugando con diferentes bucles de cinta. En uno de los bucles de cinta, utilicé una vieja grabación de coro de mi canción ‘The Sound of His Daughter’ de Lingering y luego agregué dos bucles de cinta más, donde muestreé algunos fragmentos de un KEXP de Le Mystere Des Voix Bulgares. actuación. Luego reuní estos tres bucles diferentes uno encima del otro y jugué con su tono y tonalidad a través de mi casete Tascam, para que pudieran ser intervenidos con cada uno y eso básicamente se convirtió en la base de la canción.
A medida que la canción evoluciona, puedes escuchar cómo la cinta se desintegra lentamente y, para mí, eso es exactamente lo más gratificante de usar una cinta. Nunca sabes con lo que terminarás.
Veo este interludio como el limpiador del álbum: en este punto sentí que necesitabas, como oyente, un merecido descanso y una pausa de cualquier cosa inesperada. Esa fue mi intención con esta canción desde el principio. Solo un bucle de piano y una melodía simple en la parte superior. Un momento zen puro.
Esta canción fue muy divertida de mezclar, ya que debajo de todas estas extrañas capas de sonido, encontrarás una grabación muy simple y directa. Instrumentación de sonido muy limpio con batería, percusión, bajo y piano de cola. Si presionaba silenciar todas las cosas extrañas que sucedían en la canción, la columna vertebral sonaba como una vieja grabación de jazz de ECM de los años 70.
Cuanto más jugaba con la mezcla, más gravitaba hacia el uso de estas interpretaciones de la banda con un sonido más limpio. Sonaban como una maldita grabación de la banda de Bill Evans. ¡No bromeo! De hecho, esa es la razón por la que todo el campo de sonido cambia durante el final de la canción, ya que quería resaltar su actuación en vivo. Creo que es bastante genial pasar de esta extraña sección de cuerdas inspirada en el este de Asia y luego silenciar todo y dejar que la banda cierre la canción de esta manera informal de jazz. De hecho, esa es una de mis partes favoritas de todo el álbum. Solo escucharlos tocar me da una sensación de alegría.
Principalmente he usado mi mellotron y casete para dar forma al sonido de esta canción. Este soy yo tratando de sonar tan valiente como Earl Sweatshirt en su canción asesina ‘Grief’, ¡aunque, por supuesto, es totalmente intocable! Pero bueno, me encanta cómo sonaba todo lo-fi en su álbum y eso fue una gran inspiración para mí en ese momento.
Tengo algunas primeras mezclas de la canción, donde la batería es muy fuerte y eso le dio un sonido más hip hop y en tu cara, en comparación con la mezcla que terminó siendo la versión del álbum. Cuanto más trabajé en la canción y comencé a incorporar las voces y las cuerdas, más me apoyé en darle un cambio de imagen diferente y terminé alejándome de la expresión de sonido más pesado y opté por un toque más soñador.
La colaboración que tuve con GNOM en esta canción fue inquietantemente hermosa y, en serio, uno de los momentos más inspiradores que he tenido en mi carrera. Anders Bach, también conocido como GNOM, es un artista increíble. Siempre piensa fuera de la caja y hace cosas en las que normalmente ni siquiera pensaría. Es una bestia cuando se trata de ser innovador y diferente en los procesos creativos y en el lado de la producción. Tiene una hermosa tendencia a darle la vuelta a las cosas y eso es exactamente lo que hizo cuando recibió las estrofas de esta canción. Anders solo tenía las capas, que estaban hechas principalmente de un montón de bucles de cinta y capas de teclado y, por supuesto, también la voz hablada.
Luego, Anders pasó la voz a través de un analizador midi e hizo que la voz fuera reemplazada por diferentes partes del kit de batería, razón por la cual la voz y la batería están tan intervenidas y son una especie de instrumento. Las frecuencias bajas en la voz disparan el bombo o el tom de piso y las frecuencias altas disparan platillos, campanas, triángulos, etc. y las frecuencias medias disparan la caja y las claves, etc. Un truco genial, podría decir. Cuando escuché esto por primera vez, me dio escalofríos y, sinceramente, me asusté mucho, ya que se vuelve mucho más impactante que “simplemente” usar la voz por sí mismo.
Anders hizo lo mismo con todas las capas de la canción. Los hizo analizar midi y luego lo escribió en una hoja y agregó algunas notas más aquí y allá e hizo que el cuarteto de cuerda las tocara después. Una vez más, eso solo llevó el sonido de la canción a un lugar diferente y más orgánico y subraya lo bien que fue nuestra colaboración.
La versión instrumental y simplificada de la canción es tan hermosa y, sinceramente, me costó mucho elegir si ir con esa versión o con la versión más impactante para el álbum. Terminé eligiendo la versión impactante de voz y batería, ya que la letra es muy importante para mí y trata un tema muy sensible y traumático. PERO podría lanzar la versión instrumental en algún momento 😉