// Por: Staff

mié 22 abril, 2020

Por: Pato Mecozzi

Proyecto Gómez Casa no es sólo una banda, sino que es una compañía multi-disciplinaria que tiene como mayor meta expresar, de todas las maneras posibles, sus sentimientos e ideas. Con su música, pero también con artistas performáticos, bailarinas e iluminadores, este proyecto viene ganando adeptos desde hace años y hoy se erige como una de las propuestas más innovadoras e interesantes de la escena argentina y también porqué no, de Latinoamérica. 

En cada uno de sus lanzamiento la banda encabezada por Rodrigo Gómez sorprende. No repite fórmulas y se desafía de un disco al otro en encontrar un nuevo sonido. Sus shows tienen la mismas búsqueda.Ya sea con obreros de construcción creando un guerrillero metálico sobre el escenario o con el mismo Gómez haciendo scratch con los dichos de sus poetas favoritos, cada momento de sus vivos sorprende hasta al más fanático de sus seguidores.  

El movimiento constante parece ser el gran lema de esta compañía que no se detiene ni en medio del aislamiento obligatorio por el coronavirus. A pocas semanas de haber lanzado su primer canción con música 360° (Mental con la colaboración de Lula Bertoldi de Eruca Sativa), Proyecto Gómez Casa anunció en exclusiva para WARP que lanzará este viernes 24 de abril su canción ‘De Chiquitito’ uno de los temas medulares de sus shows.

La motivación de crear

¿Cómo es el sonido de Proyecto Gómez Casa?

A nivel sonoro me parece una idea bastante particular, pero si tengo que dar una definición para mi es bastante claro que está parado en el sonido electrónico. Pero es orgánica, esta todo tocado por instrumentos y no usamos computadoras ni en los show en vivo ni en los discos. Sin embargo también siento que tenemos una parte muy ligada a la canción. Tenemos un matiz industrial, a veces experimental. Resumiendo seríamos un fino equilibrio entre la electrónica, lo industrial, lo experimental y la canción. 

Hablas de experimental, ¿por eso es que juegan tanto con lo visual?

Es un proyecto que siempre se pensó como más allá de la música. Es una banda pero se piensa multidisciplinariamente. Personalmente creo mucho en el trabajo en equipo y en generar un equipo de trabajo que tenga diferentes ideas y diferentes disciplinas artísticas para entender siempre a la idea por sobre la disciplina. Queremos llevar ese contenido a distintas plataformas y formatos. No importa si es música, si es audivisual, si son canales multimediales o shows en vivo. Desde 0 siempre se pensó en eso, por eso tenemos músicos, performances, iluminadores no convencionales y  bailarinas. En cualquiera de sus formatos el proyecto se piensa de manera multidisciplinaria. 

¿Esto lo hicieron desde siempre?

Siempre lo pensé así. Nuestro primer disco lo presenté en mi casa. Vacié todo mi PH, convoqué a diferentes artistas y les asigné un ambiente de la casa para que hagan una intervención. Era una especie de nave espacial futurista media atemporal. Abría las puertas de mi casa a la calle, y cualquier persona que pasaba por ahí era invitaba a pasar. Entraban cientos y cientos de personas, gran parte conocidos míos pero también mucha gente que pasaba por ahí y se encontraba con una casa que era un hecho artístico en sí mismo. En vez de estar tocando yo cocinaba y preparaba tragos para recibir a la gente. 

Nombrabas que era una propuesta futurista, ¿crees que propuestas como estás son las que se vienen en el futuro en el común de las bandas?

No lo sé. Esta bueno que lo que vaya a pasar uno no lo sepa, mantiene un poco la magia. Si creo que el Proyecto es muy moderno y que siempre lo fue. Los artistas tenemos que ser contemporáneos a nuestra época y siento que es fundamental que entendamos las épocas que vivimos como zonas de acción… que podamos ser coyunturales a nuestro tiempo. En ese sentido si me parece que siempre se pensó cada parte del proyecto como parte fundamental. Apostamos a la experiencia en vivo, queremos que la gente que nos vea le pase algo, no queremos que vayan a vernos tocar.

Nosotros tenemos que ser artistas que generan contenido para que al otro le pase algo. Eso lo pensamos también a la hora de los lanzamientos, siempre pensamos acciones que van más allá del track en sí. Si estoy promocionando la salida de un material no lo pienso como algo de difusión sino que aprovecho esa instancia y generó un nuevo contenido y tratamos de ver la forma de como hacerlo. Por eso es que creo que hace mucho tiempo el show en vivo clásico ya caducó (al margen de lo que está pasando ahora con el coronavirus), y siento que se valoran más los hechos artísticos que le produzca algo a la gente y eso es algo que hacemos desde el día 1. Siempre en los márgenes pero con bajadas muy importantes en el centro de la escenas.

A lo largo de toda su historia es difícil catalogarlos en un sólo estilo a la hora de componer ¿Por qué hay tanta diferencias entre cada uno de sus discos?  

Uno no es el mismo todo el tiempo y el artista principalmente tiene que ser siempre super sincero con su obra y con lo que dice. Mucho del contenido que hago es autobiográfico, trato de siempre estar muy atento a lo que yo estoy sintiendo y trato de estar también atento a lo que la compañía está desarrollando. A ser algo tan colectivo que se mueve de forma constante termina siendo referencial a eso. Cuando presentamos ‘Construcción’ pensamos la idea de poder construir en vivo y el show empezaba con cuatro operarios performando en vivo desde el escenario con herramientas trabajando sobre chapas.

Esos movimiento nos dieron información para trasladarlo a sonidos; un músico tocaba lo que uno de los operarios hacía con el percutor, otro con lo que hacía con un martillo de goma y así desarrollamos una música que sirvió en el lanzamiento del disco. Siempre fue muy conceptualizado el momento que estábamos, no necesariamente en la misma idea del audio sino entendiendo que uno puede llevarse de una canción a un video, a un peinado, a una película, a una comida… esa idea tiene que ser matriz y todo tiene que estar alrededor de la idea y eso no hacía aparecer un campo de experimentación que no es una “pose” ni ser experimental porque está re loco sino serlo por una necesidad muy propia de estar en una búsqueda constante. Con cada disco se puede ver que había una idea en general y eso se va modificando.

¿Y cuando se piensa ese concepto entonces?

No hay una forma, va cambiando según el momento. Somos muy organizados y obsesivos, al ser una compañía muy grande las ideas tratamos de ponerlas en la mesa de trabajo y que cada parte de la compañía pueda accionar, pero lo más importante es que probamos absolutamente todas las ideas. Ninguna se descarta hasta que vemos que ocurre a la hora de probarla.

Muchas veces una idea intelectualmente es maravillosa pero cuando la pruebas no funciona y muchas veces una idea en el plano conceptual no es tan convincente, pero cuando la pruebas te da un lado super interesante. En general hay un primer puntapié que es lo musical pero a partir de ahí todo entra en juego, hasta la letra. Llegué a inventar un idioma, empecé a preguntarme si el contenido necesariamente tiene que estar en el texto o si puede estar solamente en la forma que uno dice algo.

Hace poco salió una nueva versión de tu canción ‘Mental’ pero con música 360°, ¿qué es esto?

Es uno de los tantos lanzamientos que estamos llevando a cabo en este momento. Fue una propuesta de la gente Music Lab 360. Ellos vienen desarrollando una idea de poder generar contenido mezclados en 360°, es algo vanguardista donde uno tiene la posibilidad de mover cualquier elemento del disco a cualquier plano de la cabeza y trabajar con las distancias; es decir podes moverlo hacia arriba, hacia abajo o a cualquier diagonal que genere esos 360°.

Nos dijeron que les interesaba mucho generar un track con nosotros, y nos hicieron una propuesta de mezcla y nosotros le hicimos una contrapropuesta de generar una partitura de cada movimiento del tema. Se coparon, nos encerramos una noche entera a mover cada elemento y cada cosa por todo el panóptico. Ellos hicieron esa partitura y les terminó re-significando el trabajo que estaban haciendo y decidieron que ese fuera la canción del lanzamiento del disco, el cuál va a ser el primero en 360° en América Latina. Por suerte el proyecto atrae cosas de todo tipo y esta fue una de ellas. 

¿Cómo se lleva esa búsqueda del “concepto” a una masividad más comercial? 

Se lleva en la misma línea pero entendiendo que entran otros vectores en juego. Hay que tratar de cuidar lo que se puede dañar, ser sincero y confiar en el instinto. Lo bueno es que en general las ideas circulan por todo el proyecto y si eso llega a hacer algo que no es lo que uno pregona alguien te avisa. La idea de la masividad y la idea del crecimiento como algo que va en detrimento del hecho artístico es mentira. Hay casos que es así pero no hay que echarle la culpa a la masividad, a lo sumo la ser “famoso” puede generar algo en una persona haciendo que re-direcciones.

Las consecuencias son producto de su nueva dirección no de que va más gente a verlo tocar. No hay que caer en el delirio de que si va más gente te digan “No da, te vendiste” y que si va poca gente te celebre. Así no se puede crecer y lo único que se genera en endogamia. Los proyecto chicos se convierten en referentes sólo por ser chicos y no quieren que nadie crezca solo para ser los más grandes dentro del under. Al final y al cabo no es que hay hordas de gente esperando que yo saque una canción, yo la hago porque lo necesito. Eso no es egoísta, porque elijo una forma de hacerlo más abierta y colectiva. Sin embargo tenemos que empezar a hablar sobre nosotros mismos, creo que eso va a lograr hacer hechos artísticos más individuales porque cada ser humano tiene sus propias cosas. Si cada artista hablara más de si mismo y fuera más autobiográfico emotivamente hablando serían todos los proyecto diferentes. Cada expresión sería única ya que cada persona es única sobre esta tierra. 

¿Y cómo llevas esa idea de la impronta personal al momento de elegir con quién hacerlas las colaboraciones musicales?

Cuando pensamos los feats siempre lo hablamos en una mesa de trabajo dónde estaban partes de cada uno de los grupo del proyecto. La idea siempre fue pensar en artistas que sean interesantes para interactuar. Por ejemplo aún no definimos cuando va a lanzarse pero ya tenemos grabada una canción con Sara Hebe, esto es una primicia exclusiva. Es una de las raperas más interesantes de la escena argentina y la conocí cuando terminó un show mío.

Se acercó una chica hablarme sobre todo lo que había pasado en el show, después me dijo: -Che soy Sara-, porque se dio cuenta que yo no me había dado cuenta quién era jajaja. Le dije: – Tenemos que hacer algo- y le propuse grabar. La invité a mi casa para que conociera a mi familia, mi comida y mi vida. Ella vino, interactuó con todos y jugó con mi hijo… es más, parte de ese juego terminó tomándolo para la letra. Y se convirtió en un track que es una bomba nuclear. No lo hago para vender una entrada más, lo hago porque creo en los vínculos y creo que en el momento que estamos pasando eso es clave para poder para salir sanos y más o menos cuerdos.   

Se viene el lanzamiento de ‘De Chiquito’, ¿qué esperan con este tema tan importante para ustedes?

Es la posibilidad de abrir nuestro corazón de punta a punta en un momento dónde creemos que está bueno hacer eso. Queremos generar contenido con nuestro público y tratar de poder construir una serie de recuerdos elegidos. Dentro de la canción yo hablo de una experiencia muy particular que me ocurrió de chico: hablo de mi hermana y de mi mamá… incluso en la tapa de la canción estoy yo con mi hermana. Ella falleció hace muchos años y fue una etapa muy dolorosa y que duró muchísimos años. Por eso quiere convocar a la gente que generemos un recuerdo colectivo propio.