Björk hace conferencia de prensa desde Londres para hablar de su exhibición digital en México

// Por: Sara Araujo

vie 17 marzo, 2017

El día de hoy se llevó a cabo la conferencia de prensa para la exposición de realidad virtual “Björk Digital”, la cual que se llevará a cabo en Foto Museo Cuatro Caminos (en los límites de la CDMX y el Estado de México), del 21 de marzo al 7 de mayo de este año.  Importantes medios a nivel nacional asistieron a una conversación vía streaming con Björk, quien respondió a todo con amabilidad y pasión en su discurso. Como era de esperarse, la sorpresa de poder conversar con ella en tiempo real, dejó al público atónito.

 

 

 

 

 

A continuación te dejamos la conversación completa de Björk con la prensa:

Como dijo Leonardo Da Vinci: “En el extremo de la tecnología; la ciencia, el arte y la imaginación se vuelven borrosos. ¿Crees que la ciencia y el arte van de la mano?

Creo que sí lo hacen, aunque no necesariamente tienen que ir de la mano. Creo que, hablando desde mi punto de vista, definitivamente son una buena combinación. Ha habido tiempos en los que han sido muy cercanas.

Como lo he dicho anteriormente, la palabra “tecno” viene del griego “artesanal”, y creo que los aspectos artesanales pueden llevarse muy fácil a las ciencias y el arte. Creo que los humanos siempre han sido artísticos y les gusta hacer cosas con las manos, como la construcción, el tallado, la costura y hacer computadoras o llevar satélites al espacio exterior. Pienso que de alguna manera todo es lo mismo, de alguna manera simplemente es… hacer cosas.

Pienso que, a veces, es importante unir una herramienta. Cuando hablamos del medio ambiente en el Siglo XX, es importante aprender cómo unirlas.

 

Para como van las cosas con el medio ambiente, creo que la solución es que en el futuro seamos verdes, y usemos energía solar. Si la humanidad pudo crear el iPhone 7, también es capaz de hacer un sustento de energía verde, que quepa en nuestros bolsillos y ser creativos en relación con ello… con ser artísticos o usar un enfoque científico.

Podemos unir todos los mundos: La naturaleza, la tecnología y el arte.

 

¿Cuál es tu visión a futuro sobre cómo se puede transformar la industria musical, en términos del negocio de las disqueras y los formatos musicales?

Personalmente, tengo algunas soluciones; aunque estoy más involucrada en hacer experiencias musicales, definitivamente tengo esperanzas en que todo se desarrolle hasta llegar al punto en que a los músicos se les pague por lo que hacen. Creo que mi generación de músicos tuvo suerte, la mayoría de nosotros tenemos casas.

En verdad lo siento mucho por la generación de jóvenes músicos de hoy en día, porque definitivamente es muy complicado hacer música y tener un hogar, comida… simplemente, las necesidades básicas.

Así es como yo le pido al mundo, y a los escuchas, que sean amables y piensen en los músicos que no tienen dinero.

 

Me gustaría que usáramos todos estos aparatos para hacer transmisiones en vivo, porque tal vez si combinamos todas las cosas que inventamos, en el futuro cercano podríamos tener algo que funcione para todos.

 

Mucha gente en México se pregunta si hay algún plan para que tú hagas un DJ set en alguna de las fiestas relacionadas a la exposición, como se ha hecho previamente en otras ciudades.

No lo sé, creo que podemos improvisar un poco. Ya lo hemos hecho en Australia, fuimos al Museo Tecnológico de Tokio, en el Albert Hall, fuimos a Montreal, a Islandia, en Houston; en todas partes lo hemos hecho diferente, pero hemos decidido que todo se va a realizar con base en la exhibición que estamos a punto de inaugurar.

Comenzamos esta exhibición con algunos de mis videos viejos, los videos en VR. Después decidimos hacer conciertos, que sirven como una contraparte.

En México vamos a tener la segunda propuesta primero, de la cual estoy muy emocionada, ya que será en un festival, donde habrá muchos beats techno de parte de mi amigo Arca, quien estará ahí conmigo. ¡Estoy muy, muy emocionada al respecto!

Creo que con eso ya es demasiado, tenemos experiencias muy diferentes. Tenemos la exhibición, tendremos el concierto acústico en el Auditorio, y después tendremos un festival, en el cual voy a estar con M.I.A.; también estoy muy emocionada al respecto.

 

Tomando todo esto en cuenta, y considerando que tendremos dos tipos de presentaciones, tanto en el Auditorio como en el Festival Ceremonia, ¿cuáles son las diferencias entre los dos conceptos? ¿La experiencia en el Auditorio será mucho más privada para la gente que pueda asistir al concierto?

Bueno, ‘Vulnicura’, mi último álbum, fue como una declaración, para mí, sobre la música.

 

Creo que ‘Biophilia’, el álbum que hicimos antes, fue más una escuela filantrópica para los niños. Hicimos diez apps, y viajamos alrededor del mundo, dando clases en diferentes ciudades. Estuvimos tres años en escuelas de Reykjavík y otros dos años en escuelas de Escandinavia, así que fue una cosa interdisciplinaria, en la que hablamos por medio instrumentos musicales. Cuando escribí por primera vez este álbum, era muy obvio que éste sería completamente lo opuesto, no era sobre el lugar teátrico que tenía en el mundo; eran las escuelas y este mundo atómico que salía al espacio exterior.

La primera vez que tocamos en vivo todo esto fue en el Carnegie Hall, con una orquesta en conjunto con Arca, en una versión desnuda, nada de visuales. Ese fue el primer propósito en un mundo sinfónico, realizado especialmente para lugares con buena acústica.

 

Creo que el concierto del Auditorio será así, un ambiente muy desnudo cuyo enfoque será disfrutar el sonido en el lugar. La prioridad no serán los visuales. Espero que la gente cierre los ojos y sólo escuche.

En el festival será completamente diferente, será una gran ,celebración con algunas sorpresas que no voy a mencionar ahora. Será muy diferente.

 

Hasta ahora, has hecho videos en realidad virtual con Stonemilker, Black Lake, Notget, Quicksand y Mouth Mantra. ¿Harás más videos en VR para otras canciones de “Vulnicura”?

¿Podemos esperar un lanzamiento en físico de todo el proyecto VR de “Vulnicura?

No creo que vayamos a hacer más videos en VR, pero estamos muy emocionados con el lanzamiento físico de ‘Vulnicura’, el cual podrá ser descargado en línea.

 

Está pensado específicamente para la gente que tiene los accesorios necesarios, y lo puede ver desde su teléfono. Siempre pensamos que sería como una característica extra, haciendo uso de las modalidades 360 de los celulares. Es como un circo personal que te puedes poner en la cabeza.

Por ahora, hemos decidido enfocarnos en mi próximo álbum y estoy muy emocionada en poner toda mi energía ahí, junto con las exhibiciones.

 

Ese es nuestro pequeño plan.

 

Hemos visto a lo largo de tu carrera, que has mezclado la música con la tecnología, lanzando álbumes en un formato directamente en una app, por ejemplo. ¿Piensas que la tecnología en lugar de separarnos de la comunicación directa con los seres humanos, nos puede ayudar a crear conexiones más profundas con tu público?

Como dije hace un momento, la tecnología es solo una herramienta. Los humanos siempre han tenido herramientas; descubrieron cómo hacer el fuego, descubrieron cómo usar cuchillos. Siempre han estado en el mismo viaje.

Puedes usar un cuchillo para asesinar alguien, y puedes usar un cuchillo en tu hogar y hacer feliz a tu familia, así que es tu opción qué hacer con ella. Creo que la herramienta nunca te va a mirar y a decir: “Haz esto conmigo y estarás bien”.

 

Creo que debemos esperar lo mismo con los teléfono y las laptops. No nos van a dar algún consejo. Es un aspecto clásico de la humanidad, que cada que invente algo nuevo, se emocionan demasiado y cinco minutos después se pregunta: “Oh, Dios mío, ¿esto es bueno o malo?”

Debes definirlo y presentarle una moralidad… “Ok, voy a entrar a un sitio de pornografía infantil en línea, o tal vez no”. Siempre vas a tener que hacerte este tipo de preguntas con cada invención, y nunca se va a presentar la situación en la que tengas una respuesta a todo este tipo de preguntas y no necesites hacerte el cuestionamiento en otra ocasión.

 

Vas a tener que hacer la misma pregunta una y otra vez y creo que eso es parte de ser una herramienta humana, te despiertas cada mañana y te preguntas: “¿Voy a usar esta herramienta buena o voy a usar esta herramienta mala? ¿Voy a añadir humanidad a lo que estoy haciendo?”

Esto funciona para todos; enviamos mensajes de texto para atemorizar a los demás o para acosarlos con amabilidad. Creo que al final es un poco de ambas, porque todos nosotros tenemos un poco de ambas.

Creo que este tipo de preguntas no son sobre la tecnología, sino acerca de nosotros. Nosotros no ponemos el alma en las cosas que hacemos con la tecnología. Debemos poner el alma, las herramientas no lo tienen.

La parte visual de tu música siempre es algo de lo que se habla, desde tu sentido de la moda hasta tus videos musicales. Al crear una experiencia de realidad virtual sobre tu música, ¿es esto una manera de entrar a tu concepción del mundo y la representación visual de tu sonido?

Esa es una buena pregunta. Ha sido un largo viaje para mí, creo que una de las razones por las que he hecho esto desde hace tanto tiempo y empecé desde con una estética completamente punk… Tú conoces a los punks, eran como un movimiento anti snob; usar tus viejas playeras y tener cabello sucio, ser real. Si te preocupas por cómo te ves, eres un vendido y eres un perdedor. Fue muy difícil para mí crecer con ese tipo de crítica.

 

Después, empecé a trabajar con la gente que escogía y tomaba nuestras fotos cuando éramos adolescentes. Las veía y pensaba: “Esto no está bien, esto no identifica el sonido de nuestras canciones”.

Creo que tuve suerte, porque pensé en esto tanto tiempo, y aprendí a la mala que no existe el aspecto visual neutral. Creo que tienes que sintonizarte y encontrarlo; escribir primero una canción y encontrar el aspecto que lo iguala. Se trata de construir puentes.

 

A través de los años, he tenido la suerte de encontrar esto de la misma manera; yo no trabajo con cualquiera porque es mi música. Son amistades mías, con las que he trabajado a lo largo de los años y son igual de fuertes que las relaciones que tengo con los miembros de mi familia. Ha pasado lo mismo con los visuales, es como una planta orgánica, tiene conexiones reales.

Creo que también, el hecho de venir de un pequeño pueblo me ha ayudado a tener esta visión en contra de las jerarquías. Me gusta la gente que se define a sí misma y tiene un modo romántico de pensar.

 

Cuando viene el trabajo en equipo, todos quieren ser la estrella; por ejemplo,  cuando empecé una banda en Islandia, iniciamos nuestra propia compañía disquera. Éramos como diez y todos nos involucramos tanto que cada quien quería poner el póster, o todos queríamos ayudar en ciertos aspectos, manejar la prensa. Nos involucramos todos en el trabajo del otro y creo que hasta la fecha sigo trabajando de la misma manera, tanto visualmente como musicalmente.

 

Retomando esa respuesta, quiero hablar de los directores. Hablamos antes con Andrew Thomas Huang. Todos estamos conscientes de todos estos impresionantes directores que están colaborando contigo para hacer esta experiencia increíble en realidad virtual que podemos ver aquí en la exhibición. Nos preguntábamos cómo es tu trabajo con ellos

¿Cómo colaboras con ellos? ¿Estás sola durante todo este viaje o te pones a veces en sus manos para que pase la magia?

Mi relación de trabajo con los directores con los que he colaborado nunca ha sido la misma, me gusta cambiar los asientos.  A veces soy la curadora, escogiendo la canción correcta para la persona correcta, después me mantengo al margen, contribuyendo con nuevas ideas. A veces siento que soy la productora, a veces soy sólo la musa, a veces llego con muchos dibujos, así que siento que nunca es lo mismo.

 

Realmente me gusta sintonizarme con los directores. Con algunos, sólo les apuntas el camino, y no dices nada para no arruinar el trabajo.

Con otros directores es totalmente lo opuesto. Hasta ahora, con los que más he trabajado son Andrew Thomas Huang, para “Vulnicura”.

 

También Jesse Kanda, es un gran ejemplo, ya que es como un escultor y es algo más abstracto y no está hablando específicamente de mí. Es la abstracción de la música. Siempre estamos en la misma página con las emociones, las formas y las texturas.

 

Andrew Thomas Huang es increíble, es muy talentoso y flexible. Creo que las canciones de “Vulnicura” son más autobiográficas, tenía muchas ideas muy grandes que trataba de retratar para que sirviera como una saga del desamor, una herida que está en el corazón y después se sana, lo superas y se convierte en este tipo de salvación y de autosanación. Esto se convierte con un mensaje para la nueva era en forma de una saga presentada de manera metafísica.

Mantenía un equipo con nosotros tres: yo, Andy Huang y James Merry, quien hizo la máscara que estoy usando hoy.

Nosotros tres somos los directores creativos, e hicimos una lluvia de ideas. Así comenzamos a brindarle muchas referencias a Andy Huang; lo dejábamos con una bolsa llena de cosas. Después venía con un tratamiento, que terminábamos haciendo.

 

El tratamiento a veces iba y venía, y al final terminé con mucho respeto por Andy, el director del video.

Tendría muchos más colaboradores, pero soy muy mandona. Al final del día,  soy responsable de la canción final, y creo que es importante tener a estos dos equipos, pero también me gusta mantenerme como esta autora tirana.

 

En ‘Vulnicura’ tienes este tipo de colaboración con ARCA.

Sí, con ‘Vulnicura de hecho, escribí todo el álbum y después hice los arreglos de cuerdas. De alguna manera, comencé con los beats. Lo conocí por primera vez, en el after party del último concierto de ‘Biophilia’; literalmente nos conocimos en el DJ booth, y estuvimos tocando juntos alrededor de cinco horas. Fue una situación muy inmediata.

Después, él fue a Islandia, y escuchó todas mis canciones; hicimos los beats como si yo fuera un taxista. De alguna manera ya había escrito el álbum y había hecho los arreglos de cuerdas.

 

Estamos escribiendo juntos ahora, y es lo opuesto, ya que empezamos desde cero. Es un enfoque muy diferente creo que esa es una descripción de cómo puedes trabajar en maneras muy diferentes con la misma persona.

Ha sido muy, muy divertido y muy mágico. Me siento encantada de este apretón de manos que cruza generaciones y continentes.

 

Es muy valioso para mí.

¿Dónde encuentras tus momentos de inspiración para tu arte, tu trabajo, tu música?

Como nací en Reykjavík, Islandia, yo pensaba que era normal caminar cuarenta minutos a la escuela, ida y de regreso, en cualquier clima. Ahí fue cuando empecé a crear mis melodías, sin pensar que iba a ser una cantante, sólo era una forma de confort. A como lo entendí naturalmente después, es una función normal para nosotros; como vamos caminando, pensamos que nadie puede escucharlo.

 

Creo que aún sigo haciendo lo mismo que hice en toda mi infancia, para mí es algo normal. Aún así amo las ciudades, me pongo lipstick y tacones, me visto muy elegante y me vuelvo loca haciendo todo este tipo de cosas tóxicas y corruptas. Después me harto y tengo que escapar a mi espacio rural, debo cargar mis baterías.

 

Siento que me doy mucho espacio, tengo la sensación de que vivo en un lugar en el que hay mucho espacio. En realidad no hay animales y tampoco plantas, ni siquiera gente. Hay muchas rocas y volcanes en treinta o sesenta grados. Hay mucho, mucho espacio.

 

Recuerdo la primera vez que mi abuelo me llevó a un viaje, tenía nueve años. Fuimos en un viaje en tren de nueve horas, desde Oslo hasta Berlín y sólo había árboles. Literalmente mi abuelo gritaba que cortaran los árboles, porque no veía nada.

 

La gente de Islandia se define mucho porque si no puede ver por veinte kilómetros, siente como si algo estuviera mal. La calidad de vida se basa en cuánto espacio tienes a tu alrededor.

 

¿Por qué escogiste México como uno de los destinos para mostrar la exhibición?

Para ser honesta, como hago lo mismo desde que era adolescente, me entusiasmo mucho con lo que quiero hacer. Me gustaría ir de gira las 24 horas para visitar todos los lugares en los que se llevan a cabo mis tours, ya que no todas las giras son iguales.

 

Lo que hice con ‘Vulnicura’ y ‘Biophilia’ es ir de ciudad en ciudad y pasar mucho tiempo en cada una, porque después de veinte años de carrera siempre visitas la misma ciudad y en realidad no ves nada. Sientes como si pudiera ser cualquier lugar. Por ejemplo con ‘Biophilia’, traté de ir a la escuela con niños, enseñarles y obtener más interacción con cada ciudad.

Me hubiera encantado ir a México antes, pero no habíamos tenido tiempo y de hecho no sé si esto sea cierto, pero me han dicho expertos de Facebook y de redes sociales, que México tiene mi audiencia más grande de todo el mundo.

 

Si no fueras Björk y alguien te preguntara sobre la exhibición ¿Cómo definirías Björk Digital?

Creo que ‘Biophilia’ y ‘Vulnicura’ son muy opuestos, aunque son iguales de forma en que ya que no es el CD o el concierto. El escenario es una tecnología y con “Biophilia” eran los iPads y con “Vulnicura” era el VR, así que en lugar de ir al teatro o ir a un concierto o en lugar de poner un CD o poner un vinil, el escenario está abrazando esta nueva tecnología para convertirse en tu escenario y te seduce y te corteja e intenta poner sentimientos humanos como si fueran emociones

La idea de la exhibición que hice con James Marry era un parque que pudieras poner en cualquier almacén, con muchos iPads y muchos VRs. La idea es que esté listo para transportarse.

La idea es que el escenario sea un mundo digital.

 

Después, la explotamos al máximo porque podríamos haber puesto billones de cosas en las paredes o intentar hacer esculturas, pero no lo estamos haciendo.  El punto completo es que todo pasa en el escenario del iPad y el VR.

 

Después, pensamos que ya que estábamos haciendo esto, podíamos incluir los videos como una parte de mí; una parte anterior a que hiciéramos todo esto porque… Sólo para contradecir lo que acabo de decir, he realizado videos con tantos directores por 20 ó 30 años, los cuales fueron fruto de mucho trabajo y una labor de amor y terminan en YouTube, con un sonido realmente malo y visuales malos. El MoMa pasó por un largo proceso de remasterización, al mezclarlos en 5.1, mientras acudían todos los directores para sacarle el mayor provecho en cuanto a calidad visual.

 

A veces siento que soy la protectora, junto con todos los directores, así que parte de mí piensa: “finalmente podemos mostrar todos los videos con buen sonido, buenos visuales y tenerlos todos en la misma habitación”.

Ahora hay una habitación con todo eso, y aún así tratamos de mantenerlo con la ideología: “Entre más simple, mejor”.